畢卡索名畫：在台灣看抽象派10幅最有名的畫

畢卡索名畫是理解現代藝術與立體主義的關鍵，每一幅都是自我革命，都改變了美學認知。本文分享中正紀念堂展覽心得，在台灣看抽象派10幅最有名的畫

一、畢卡索臺灣畫展：臺灣歷年展覽整理

畢卡索臺灣畫展共有六次重要展出，作為20世紀最偉大且最具影響力的畫家之一，畢卡索的作品總是吸引全球關注。幾乎每隔一段時間，臺灣就會舉辦與畢卡索相關的畫展，讓觀眾有機會近距離欣賞它的藝術魅力。

本文介紹的是2026年於中正紀念堂舉辦的展覽活動：「永恆畢卡索 藝術、繆思與知己 光影藝術展」，再次呈現畢卡索跨越時代的創作能量，讓人重新認識這位改變現代藝術發展的重要大師。

以下整理歷年來畢卡索臺灣畫展相關資訊：

二、畢卡索全名：長達22字的藝術傳奇開端

畢卡索全名長達22個字：「巴布羅·迭戈·荷西·弗朗西斯科·德·保拉·胡安·尼波穆切諾·瑪麗亞·德·洛斯·雷梅迪奧斯·西普里亞諾·德·拉·聖蒂斯瑪·特立尼達·烈士·派翠西奧·克里托·魯伊斯·畢卡索」，原始姓名是「Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso」。這是藝術史上極具代表性的超長姓名，其中的名字多來自天主教聖人與家族長輩，象徵祝福與傳承，而巴勃羅·畢卡索最終選擇使用母姓「Picasso」，成為改變20世紀藝術史的標誌性名字。

天才畫家從小就展現非凡的藝術天賦，牙牙學語的時候，學會說的第一個字不是「爸爸」或「媽媽」，而是「Piz」，西班牙語「鉛筆」（Lápiz）的縮寫，顯示繪畫早已成為他的本能。8歲時，他完成了人生第一幅油畫《小黃鬥牛士》，展現成熟的觀察力與構圖能力。更著名的是13歲時的傳說，小畢卡索的畫技已超越身為畫家與藝術教授的父親，父親震驚之餘甚至傳出從此不再作畫，象徵一位劃時代藝術大師的正式誕生。

三、畢卡索的一生：跨越66年的兩幅自畫像

畢卡索的一生橫跨近一世紀，而最令人震撼的，是畫展將25歲與90歲的兩幅自畫像放在一起觀看。《拿著調色板的自畫像》（1906年）描繪的是25歲的畢卡索，當時他剛結束玫瑰時期，即將開創立體主義。畫中的他手持畫筆與調色板，眼神堅定、輪廓清晰，展現年輕藝術家準備改變世界的自信與力量。這不只是自畫像，而是一位新時代創造者的宣言。

而《面對死亡的自畫像》（1972年）則完成於90歲高齡、離世前不到一年。這幅作品改用蠟筆創作，筆觸像孩童般直接與純粹，卻充滿生命終點的重量。畫中綠粉色陰影包圍著臉孔，那雙巨大而誇張的眼睛不再凝視世界，而是直視未知與死亡。這幅畫沒有大師的榮耀，只有一個凡人面對生命終點時最真實的恐懼與凝視，也讓人看見畢卡索從征服世界的青年，到直面虛無的老者，完整走完藝術與生命的66年旅程。

四、畢卡索作品：藍色與玫瑰時期的情感轉折

畢卡索的創作歷程中，「藍色時期」與「玫瑰時期」是理解他藝術轉變的關鍵階段。《老盲人與吉他》是藍色時期的代表作品，畫中人物身體呈現不自然的扭曲，特別是彎折的頸部與蜷縮的姿態，強化了貧困與孤獨的痛苦感。這種變形不僅表現肉體的脆弱，也帶有強烈的情緒張力。當您站在畫前，會發現這種扭曲既令人感到悲傷，同時又隱含著一種近似幾何結構的秩序與美感，彷彿痛苦與藝術在同一瞬間交會。

進入「玫瑰時期」後，畢卡索的作品逐漸轉為溫暖與內省。這一時期的人物不再只是悲苦的象徵，而開始呈現更複雜的心理狀態。例如畫中人物手持煙斗，象徵成熟與現實，而頭戴花環，則象徵青春與理想，兩者形成微妙對比。這種介於純真與成熟之間的狀態，反映了畢卡索對人性更深層的觀察，也標誌著他從單純描繪苦難，轉向探索人物內心世界的重要轉變。

五、畢卡索名畫：愛與戰爭交織的情感世界

畢卡索的名畫不僅展現藝術創新，更映照他內心深處的情感與生命經歷。《夢》（The Dream / Le Rêve）創作於1932年，主角是他的情人瑪麗·特雷莎·瓦爾特，她以溫柔與純真形象深深影響他的創作。畫中以流暢曲線與鮮豔色彩構成，呈現與立體主義截然不同的柔軟與感性。這幅作品象徵「精神與肉體愛的極致融合」，畫面充滿夢境般的情感張力，傳達出愛、放鬆與潛意識交會的私密瞬間，成為畢卡索最具代表性的情感象徵之一。

更耐人尋味的是1937年的創作對比。同一年，畢卡索一方面創作出控訴戰爭的《格爾尼卡》與充滿痛苦的《哭泣的女人》，以尖銳線條與破碎形體表現動盪與悲傷；另一方面，他為瑪麗·特雷莎所繪的《瑪麗·特雷莎肖像》卻採用柔和色彩與流動曲線，呈現雕塑般的安定與夢幻氛圍。這種強烈反差顯示，在戰火與混亂之中，朵拉·瑪爾象徵他面對現實與戰爭的精神世界，而瑪麗·特雷莎則代表他內心尋求平靜與溫柔的情感避風港，讓人看見畢卡索在同一時代中同時承載痛苦與愛的雙重生命狀態。

六、畢卡索最有名的畫：對於戰爭的抽象控訴

《格爾尼卡》是畢卡索最具代表性的反戰作品，誕生於1937年西班牙內戰期間。當時德國納粹空軍轟炸西班牙小鎮格爾尼卡，造成大量平民傷亡，震驚世界。畢卡索在極度憤怒與悲痛中，僅用33天完成這幅巨作，期間繪製超過40幅草圖，將戰爭的殘酷濃縮於畫布之上。

當時有一段著名對話，納粹軍官問他：「這是你畫的嗎？」畢卡索回答：「不，是你們做的。」這句話不只是回應，而是對戰爭加害者最直接的控訴，揭示這幅畫真正的創造者，是戰爭本身。

《格爾尼卡》畫中充滿象徵意義，每個形象都承載深刻情感。受傷嘶鳴的馬象徵無辜受苦的人民，扭曲的姿態呈現極度痛苦與無助；倒地的士兵代表戰爭摧毀生命的殘酷現實；畫面中的燈與如眼般的光源，則象徵見證歷史的目光，同時也是黑暗中微弱卻不滅的希望。這些破碎的形體與強烈對比，使整幅畫成為對戰爭最震撼的視覺控訴。

同樣創作於1937年的《哭泣的女人》，則被視為《格爾尼卡》的情感延續。如果說《格爾尼卡》描繪的是戰爭的集體悲劇，那麼《哭泣的女人》則將焦點集中於個人的痛苦。畫中主角是攝影師朵拉·瑪爾，畢卡索以立體派與超現實手法，將她的臉部撕裂與重組，誇張的淚水與破碎的五官，象徵戰爭帶來的心理創傷與無法癒合的悲傷。透過這幅畫，畢卡索不僅記錄歷史，也讓觀者直視戰爭在人性深處留下的永恆傷痕。

七、畢卡索抽象派：立體主義的革命起點

《亞維農的少女》尺寸達243.9×233.7cm，是一幅極具壓迫感與存在感的巨型畫作，也被視為立體主義的開端與現代藝術最重要的轉折點之一。畢卡索在這幅畫中徹底打破傳統人體藝術與透視法，受到塞尚結構觀念與非洲雕刻的啟發，將五位女性形象轉化為幾何切面與稜角構成。人物不再是柔順立體的存在，而是被重新分解與重組，使畫面呈現平面與立體並存的矛盾張力。這種前所未有的視覺語言，在當時震撼藝術界，也正式開啟現代繪畫的新時代。

如果說《亞維農的少女》是立體主義的序幕，那麼《安布羅瓦斯·伏勒爾的肖像》則代表立體主義進入成熟的「分析立體主義」階段。畢卡索在這幅作品中，將人物頭部與身體分解為無數幾何平面，如同從多個視角同時觀看同一個人。畫面不再追求外表的真實，而是試圖呈現結構與本質。與早期作品相比，這幅畫的色彩轉為沉穩的褐色與灰色調，減少情感干擾，使觀者能專注於形體與空間的理性分析。

從1907年的《亞維農的少女》，到1909年的分析立體主義肖像，畢卡索逐步將人體藝術從「再現現實」，轉向「重建現實」。人物形象彷彿鏡子碎裂後重新組合，不再只是被觀看的對象，而成為可以被理解、被解構的結構本身。這一轉變，不僅改變了繪畫的形式，也重新定義了藝術觀看世界的方式。

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